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LatinXAmerican

LatinXAmerican es una exposición grupal que se expande por varias generaciones e incluye a casi 40 artistas latinxs de Chicago y otras regiones. Esta exposición evalúa la presencia y la ausencia de lxs artistas latinxs en la colección del DePaul Art Museum, y refleja los esfuerzos de mejorarla como parte de una iniciativa de varios años que tiene por fin incrementar la visibilidades de lxs artistas y las voces latinxs en los museos, con el fin de acercarse a la equidad y a una transformación verdadera. LatinXAmerican ocupa todas las galerías de nuestro museo e incluye fotografías, pinturas, obras en papel, esculturas, textiles, videos e instalaciones tomados principalmente de la colección del dpam, esto incluye varias adquisiciones recientes, así como obras nuevas de artistas que viven en diversas partes de Estados Unidos y Puerto Rico.

LatinXAmerican is an intergenerational group exhibition featuring nearly 40 Latinx artists from Chicago and beyond. The exhibition assesses the presence and absence of Latinx artists in DePaul Art Museum’s collection, and reflects efforts to build in this area as part of a multi-year initiative to increase the visibility of Latinx artists and voices in museums, working towards equity and lasting transformation. Occupying all of the museum’s galleries, LatinXAmerican includes photographs, paintings, works on paper, sculptures, textiles, videos, and installations primarily drawn from DPAM’s collection, including several recent acquisitions, as well as new works from artists living throughout the United States and Puerto Rico.

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Esta exposición, que abarca todo el museo, explora las cambiantes—y en ocasiones contradictorias— identidades sociales, culturales, políticas y artísticas entre lxs artistas latinxs de circunstancias y generaciones diferentes. El término latinx se usa aquí como una alternativa no binaria e incluyente a latino o latina para personas con herencia latinoamericana que habitan primordialmente en Estados Unidos. Es importante señalar que no todos lxs artistas que se incluyen en esta exposición se identifican como artistas latinxs, algunos prefieren designaciones identitarias nacionales, raciales o étnicas.

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  • Caroline Kent (b. 1975)

    Caroline Kent redescubre y redefine el lenguaje y la abstracción en la pintura. Aunque las figuras en sus obras se parecen a formas familiares, en conjunto crean una dimensión abstracta en que los símbolos, los movimientos y las marcas coexisten con varios significados. Esta negación y redefinición del lenguaje se arraigó en la artista mientras vivía en Rumania y descifraba sus desconocidos dialectos. 

    El mito de las sombras toma prestados sus líneas y ángulos directamente de un libro de texto mexicano de matemáticas. Aunque al estar desprovistas de sus gráficas, estas marcas carecen de un significado directo a la vez que se transforman en nuevos significantes. Cuando comparamos los dibujos con los de El mito de las sombras, encontramos varias similitudes en las composiciones de las formas. Evitando una traducción directa, Kent coloca con cinta, pistas performáticas cerca de cada símbolo, lo que sugiere una impermanencia: el potencial de reacomodo y, por consiguiente, una redefinición del significado de la forma.

    El interés de Kent por la función de los subtítulos, o por la falta de ellos, en las películas extranjeras impulsa gran parte de su obra abstracta. Kent intenta responder a la pregunta sobre cómo una imagen o una forma puede, a su vez, producir un sonido, una palabra y, finalmente, una lengua. Kent escribe regularmente descripciones o frases que se conjuran a partir del recuerdo de una escena, un olor o un sabor.

    En las obras sobre papel, Kent aplica pintura en blanco y negro con un tono pastel, generalmente un rosa violeta o amarillo beige, sin una forma particular, punto de inicio o final en mente. Una vez que crea la imagen, asigna aleatoriamente sus frases, escenas imaginarias o composiciones poéticas a cada imagen para crear afiliaciones exploratorias entre el texto y las imágenes abstractas. Estas frases o subtítulos operan de formas investigativas, pues exploran el proceso de cómo ​relacionamos las palabras con la imagen o la lengua con la forma.

  • Dianna Frid (b. 1967)

    En 2010, Dianna Frid comenzó a archivar obituarios del New York Times con el fin de producir Palabras de obituarios, una serie aún en desarrollo de palabras bordadas que se seleccionaron de obituarios particulares con las tonalidades de un código de colores que la artista determinó y que se corresponde con la carrera o la vocación de la persona fallecida. Las dos obras que aquí se exponen se corresponden con los obituarios de dos hombres de origen cubano: uno fue un disidente político anti Fidel Castro y director de una organización terrorista, el otro era un aliado cercano de Castro.

    Según explica Frid: “Al revisar cientos de obituarios, encuentro, en unos cuantos, muestras de frases que son precisas. Capturan un momento en la lengua que opera tanto dentro como fuera de su fuente. No elijo estas palabras por su valor narrativo u honorífico sino por una urgencia exterior a esos valores, pero que aun así se relaciona con ellos”.

  • Gala Porras-Kim (b. 1984)

    ​Durante la Colonia, la versión silbada del zapoteco se convirtió en una herramienta de resistencia contra la autoridad española. Ya que hasta hace poco existía solamente como una lengua oral, en la actualidad el zapoteco se encuntra en peligro de extinción a causa de la estratificación social y política de los grupos indígenas en México. Desde 2010, este grupo de dialectos indígenas hablados en Oaxaca, al sudoeste de México, ha sido un campo estimulante de investigación para la artista Gala Porras-Kim. Silbidos y transfiguración del lenguaje es una grabación e vinilo que traduce las palabras enunciadas del zapoteco a los silbidos que las aompañan, mientras que Notas a partir de G.M. Cowan ​es una serie de tres dibujos que presentan dichas posiciones de silbido. Las obras de Porras-Kim son a la vez estéticas y utilitarias (tienen la capacidad de servir como un medio para que forastero acceda a la información relacionada con una cultura desconocida) y existen como fuentes alternatives para transmitir y archivar las lenguas zapotecas en el presente.

  • Candida Alvarez (b. 1955)

    Las palabras pintadas en Son So & So de Candida Alvarez hacen referencia al hijo de la artista, que tenía 10 años de edad en ese momento. Por otro lado, son también se refiere al “son cubano”, un estilo de música y baile que se originó en Cuba a inicios del siglo xx, que encarna una mezcla popular de ritmos africanos hechos con congas, trompetas y maracas, y que Alvarez escuchaba de niña en Puerto Rico. Alvarez explica que el título no define a la pintura, sino que más bien hace referencia a los caminos pictóricos y lingüísticos que se evocan en el estudio. Ella revela que “el acto de ‘escuchar’ en el estudio es una acción que me permite urdir estrategias o sistemas de trabajo utilizando detalles personales”.

  • Yvette Mayorga (b. 1991)

    Yvette Mayorga utiliza herr​amientas generalmente usadas para la decoración de pasteles para aplicar pintura acrílica, con lo que evoca glaseados, azúcar y celebraciones. Sin embargo, debajo de esta indulgencia en apariencia sacarina de las superficies de colores vertidos que aparecen en sus lienzos hay historias complejas y astutamente ocultas sobre la migración, el trabajo y la identidad. Un jarrón del siglo I (a partir de Jarrón del siglo c. 1876) se basa en una urna de cerámica de “Union Porcelain Works” que conmemora los primeros cien años de Estados Unidos. Mayorga reflexionó sobre esta obra como un medio para abordar historias de colonialismo al reemplazar las imágenes tradicionales con una iconografía propia. Por ejemplo, los automóviles rosas de Mayorga aluden a la manera en que su padre se ocultó en un vehículo para cruzar la frontera entre México y Estados Unidos en la década de 1970, así como a nociones infantiles en torno a la feminidad, como los coches rosas de Barbie. La figura central con una gorra de béisbol representa a todos los migrantes, que también aparecen en cuatro escenas enmarcadas que evocan imágenes noticiosas del muro fronterizo entre Estados Unidos y México, y de mujeres que huyen de la Patrulla Fronteriza.

  • Vik Muniz (b. 1961)

    Conocido por el uso de materiales poco convencionales, Vik Muniz utiliza fragmentos de papel arrancados de revistas populares y tabloides, y los reutiliza para que imiten imágenes icónicas de la historia del arte. El limón, a partir de Manet recrea Le citron (El limón), el bodegón que Edouard Manet hizo 1880. Según dice Muniz: “Cuando las personas observan mis imágenes no quiero que vean las cosas representadas; prefiero que vean cómo algo puede representar otra cosa”. La obra de Muniz tiene una relación compleja con el supuesto original: no sólo radicaliza la tradición del bodegón al representar objetos cotidianos sino también al usar estos mismos objetos como material. Al desdibujar la jerarquía entre las formas mediáticas populares y las artes plásticas, Muniz continua el legado de la vanguardia clásica que busca desafiar las fronteras entre el arte y la vida en un esfuerzo por integrarlos.

  • Ramón Miranda-Beltrán (b. 1982)

    “No tiren al bebé con el agua del baño” es una expresión coloquial que apunta hacia un error evitable en que algo bueno se elimina cuando uno intenta deshacerse de algo malo. En la obra de Ramón Miranda Beltrán, la expresión “no tiren al bebé con el agua del baño” da otro giro. El bebé y el agua del baño es un pase de diapositivas digitales y un sitio web que incluye ocho fotografías de esculturas que hizo el artista entre 2016 y 2020 en las cuales investiga la materialidad y forma, e ideas de representación y no representación en arte y política. También hay seis fotografías del taller del artista y cuevas en Puerto Rico que han influenciado el pensamiento de Miranda Beltrán con respecto a una estética no moderna. La diapositiva termina y comienza con tres collages de obras de Jacob Lawrence, Jacques-Louis David, Benjamin West, and Charles Édouard Armand-Dumaresq que representan una época relacionada con la creación del estado nacional.

    Según explica Miranda Beltrán, en la actualidad las naciones modernas se encuentran en una disyuntiva ética en la que “o reformamos nuestras sociedades para asegurarnos de que las personas de color sean ciudadanos auténticos con el fin de alimentar la confianza en sus instituciones o sucederá un uiebre y una desviación”. Continúa diciendo que “nos encontramos en un momento en que las consideraciones son precisamente esas, ya sea que el bebé (la modernidad) se ahogue en su suciedad (el agua del baño) y tengamos que tirar al bebé o que el bebé siga vivo y tengamos que asegurarnos de deshacernos de la suciedad.”​

  • José Lerma (b. 1971)

    “Todo lo que hago se siente como un garabato que está fuera de control o una pequeña pintura que acaba de agrandarse, explica José Lerma. “Para mí eso influye en el sentido de cada uno con respecto a la escala en relación a la obra.” El empapelado y las cuatro pinturas son una respuesta a las obras Europeas y Americanas en la colección del Instituto de Arte de Chicago (AIC). Los dibujos en el empapelado fueron hechos sobre servilletas de bares durante ocho meses, y recuerdan a los grandes pintores que creaban dibujos en servilletas de bares bajo la influencia del alcohol. La parte superior del empapelado es una representación de todas las pinturas que se exhiben en la pared oeste de la colección europea del AIC. La parte inferior del empapelado refleja las pocas obras de artistas Latinx (solo hay ocho) que se exhiben actualmente en la colección Americana de la AIC.

    Contemplando las contribuciones económicas y artísticas, con frecuencia invisibles, de los migrantes en este país, y con el uso de materiales comunes de construcción como puertas prefabricadas y pintura para el hogar, Lerma nos invita a reconsiderar la definición de “artista Americano” dentro de la colección de nuestros museos.

  • Maria Gaspar (b. 1980)

    Ataviada con un traje camuflado de pastos secos de Cabos de Marín en el norte​​ de California, Maria Gaspar, como parte de la serie de performances in situ​, desaparece (a la vista de todos) en un paisaje con historias y habitantes únicos que suelen olvidarse o volverse invisibles. Famosos por sus vistas del puente Golden Gate, los Cabos de Marín, es un invernadero natural y hogar de fauna en peligro de extinción. Anteriormente, en esta área hubo fortificaciones del ejército durante las guerras mundiales, tierras de ganadería y cultivo para migrantes mexicanos, españoles y portugueses, y, en un origen, fue el hogar de la tribu costera Miwok, que luchó por mantener su existencia a causa del colonialismo y la conquista. Gaspar resalta la manera en que incluso un espacio en apariencia virgen y rural se estructura de acuerdo con fuerzas históricas, políticas y sociales que determinan lo que puede verse y lo que no.

  • Tanya Aguiñiga (b. 1978)

    El muro de América ​toma su inspiración del cuestionamiento persistente en torno a la existencia de un muro en la frontera entre Estados Unidos y México del que fue objeto Tanya Aguiñiga durante sus viajes entre los dos países. Aguiñiga creció en ambos lados de la frontera entre San Diego y Tijuana y, durante 14 años, cruzó entre México y Estados Unidos todos los días. La obra de Aguiñiga documenta la existencia de este muro (existen tres muros consecutivos en la zona de México en que Aguiñiga creció) y extrae evidencia en torno a ella, todo frente a los prototipos del muro propuesto por Donald Trump. La sección particular de la reja fronteriza que aparece en esta obra está compuesta de estera corrugadas para el aterrizaje de jets, recicladas de la Operación Tormenta del Desierto que tuvo lugar durante la Guerra del Golfo. Este segmento del muro se erigió durante la Operación Gatekeeper en 1994, una táctica estratégica de freforzamiento en la frontera entre Estados Unidos y México que fue responsable de las muertas de más migrantes en su primer año que en la totalidad de los 75 años previos de la historia de la Patrulla Fronteriza. Aguiñiga u su equipo del proyecto binacional AMBOS (un acrónimao de "art made between opposite sides" [Arte hecho entre lados opuestos]) tomó impresiones de óxido sobre algodón de estos muros como prueba física de su existencia. 

  • Ester Hernandez (b. 1944)

    Hija de campesinos mexicano​s y yaquis, Ester Hernandez crea símbolos de su identidad chicana mientras resalta las injusticias políticas y sociales que se han infligido sobre las poblaciones latinas en Estados Unidos. En Sun Raid, Hernandez transforma una conocida caja de pasas de uva para hacer una declaración en torno a la situación que muchos trabajadores del campo enfrentan en Estados Unidos. El rostro de apariencia saludable que suele encontrarse en la carátula de la caja se cambia por una trabajadora esquelético que viste un huipil, una prenda nativa de México. La figura también porta un brazalete de monitoreo con la etiqueta ICE (Servicio de Control de Inmigración y Aduanas), lo que apunta hacia la amenaza de deportación. Hernandez escribe los nombre de grupos indígenas mexicanos del área de Oaxaca porque componen una gran cantidad de los trabajadores del campo en Estados Unidos. La preocupación del artista por los trabajadores del campo puede rastrearse hasta su famoso grabado de 1982 titulado Sun Mad en que transforma la misma caja de pasas de uva en una declaración en torno al uso excesivo de pesticidas y sus efectos en nuestros cuerpos y el medioambiente.

  • Alberto Aguilar (b. 1974)

    ​Alberto Aguilar creció en Cicero, Illinois, donde sus padres eran dueños de una tiendita mexicana de abarrotes, en un suburbio de Chicago principalmente obrero, italiano y lituano. Un supermercado más grande de nombre El Torito, que abrió en la misma calle, terminó por llevar a la quiebra a su tienda. Aguilar aborda sus primeras experiencias en torno a la gentrificación para su serie de obras Propaganda familiar: letreros compuestos de cognados en inglés y español o de palabras que tienen un apariencia similar en ambos idiomas con el estilo clásico de los letreros pintados a mano que suelen asociarse con las tiendas mexicanas en Chicago. La interacción entre idiomas pone de relieve un vecindario en transición y las diversas herencias que se representan en él. Aquí se exponen tres nuevas versiones de los seis carteles que se mostraron originalmente en las vitrinas de una tienda de abarrotes mexicanos en un vecindario de San Luis en proceso de gentrificación.

  • Las Nietas de Nonó (b. 1979 and 1982)

    Las Nietas de Nonó es un dúo colaborativo compuesto por las hermanas Mulowayi y Mapenzi Nonó que viven en Carolina, Puerto Rico, en un vecindario rural y obrero industrial. Interpretaciones de la sal es una exploración visual de las salinas de Cabo Rojo, Puerto Rico. En esa región, el pueblo indígena Arawak comenzó a extraer sal de las salinas en el año 700 d. C. y en el siglo xvi los españoles se apoderaron de la extracción de sal y utilizaron a los Arawak como mano de obra esclava. En la actualidad, un operador privado sigue usando Cabo Rojo para la extracción comercial de sal, aunque el Servicio de Pesca y Vida Silvestre de los Estados Unidos es el dueño y operador de esta propiedad. Interpretaciones de la sal de Las Nietas de Nonó apunta hacia el trabajo físico involucrado en la esclavitud y la colonización.

  • Alejandro Jiménez-Flores (b. 1989)

    Alejandro Jiménez-Flores incrusta pétalos, tierra y otros materiales en yeso en un intento poético por fijar los procesos vitales inevitables del florecimiento, el deterioro y la decadencia. Con alusiones a preguntas existenciales y al deseo queer, las flores se presentan a lo largo de la obra de Jiménez-Flores a través de un proceso que permite una forma propia de expresión cuando liberan sus tinturas en la superficie del yeso. Jiménez-Flores recuerda cómo jugaba de niñx con su primx a recolectar pétalos secos y hojas de geranio y a colocarlas en una cubeta con agua y tierra, revolviendo esta mezcla con un palo y “haciendo brujería.” Ya de niñx Jiménez-Flores aprendía del lenguaje en eque las flores se comunican: a través de pigmentos, formas, color y efectors de la luz en la materialidad de las flores.

    ​Los títulos de las obras provienen de La pasión según G. H. de la novelista brasileña Clarice Lispector, Apprendre à vivre en fin (Aprender por fin a vivir) de Jacques Derrida y el inicio de Spectres de Marx (Espectros de Marx), respectivamente. De acuerdo con el artista evocan “el perdón y el aprendizaje de un devenir constante”.

  • Harold Mendez (b. 1977)

    Un artista estadounidense de primera generación, nacido en Chicago de padres nativos de Colombia y México, Harold Mendez crea esculturas e instalaciones que investigan la intersección de la identidad con las narrativas y los ciclos históricos. A partir de un título que proviene de un poema de Juan Felipe Herrera, Mendez explora la tensión entre la ficción y la verdad, la visibilidad y la ausencia, con un interés en la manera en que las construcciones de la historia y la geografía dan forma a la percepción que tenemos de nosotros mismos. Una reproducción arrugada de cobre de una máscara mortuoria precolombina del Museo del Oro en Bogotá, Colombia, se coloca sobre un bloque de mármol travertino, un material que suele usarse en monumentos. Los visitantes pueden ver reflejados sus rostros en la máscara, que se llena de agua destilada a lo largo de la exposición. Claveles blancos se esparcen sobre el travertino para evocar rituales relacionados con el nacimiento y la muerte. Significado "flor celestial" en Griego, los claveles simbolizan el amor y la inocencia, y de los que se dice que surgieron de las lágrimas de la Virgen María cuando fue testigo de la crucifixión de Jesús.


  • Susy Bielak (b. 1976)

    En Dibujos de aliento, Susy Bielak utiliza su respiración para crear dibujos de ventifactos, o rocas a las que el viento ha dado forma. La composición de los dibujos se inspira en el huipil maya, vestidos bordados con referencias a los mundos natural y sobrenatural. En sus patrones tejidos, estas vestimentas pueden comunicar narraciones en torno al nacimiento, la muerte y la regeneración. Bielak comenzó esta serie de obras en 2013, pero en 2020, a la luz de la pandemia, regresó a ellas, en esta ocasión con asociaciones que han evolucionado. “Estas obras son sobre insuflar vida a la piedra y conmemorar a los muertos. Yo pienso en ellas como actos de conmemoración, mantos de luz y escudo”, explica Bielak. En la tradición judía, colocar una piedra sobre una tumba simboliza la concretización del legado del difunto en el corazón y la mente de quienes le sobreviven. Su ritual diario de raquear la playa del lago Michigan en busca de basalto, granito y desechos de metal le suministra modelos para sus dibujos semanales.

  • Diana Solís (b. 1956)

    La artista y educadora Diana Solís, nacida en México, ha vivido en Chicago durante los últimos 40 años, donde se ha desempeñado como fotoperiodista para varios periódicos y publicaciones locales. Las fotografías que componen esta serie documentan a Solís y sus amigos, así como escenas de marchas del orgullo y mítines gay y lésbicos desde la década de 1970 hasta la de 1990. Como una joven fotógrafa mexicana / chicana durante este periodo, la vida y la obra de Solís estuvieron muy interrelacionadas con las luchas sociales y políticas de las comunidades LGBTQ+ y femenina en Chicago. Solís ha trabajado en una gama de medios que incluyen cómics, ilustración, pintura, dibujo, grabado y murales e instalaciones in situ, pero sólo en fechas recientes ha regresado a la fotografía con una serie de obras relacionadas con la Covid en el vecindario de Pilsen, Chicago.

  • Nicole Marroquin (b. 1970)

    Revuelta en la preparatoria Harrison 1968 de Nicole Marroquin apunta hacia el otoño de 1968, cuando los líderes estudiantiles de la Preparatoria Harrison, Victor Adams y Sharron Matthews, organizaron a sus compañeros a través de divisiones étnicas por toda la ciudad en una lucha por la justicia. Lxs estudiantes latinxs se salieron de sus clases como un muestra de solidaridad con sus compañeros negros que habían comenzado a orquestar salidas semanales en septiembre de ese año. “Es importante apuntar —dice Marroquin— que en ese momento las Escuelas Públicas de Chicago clasificaban a lxs estudiantes latinxs como blancxs”. La fotografía en la impresión muestra a la policía de la ciudad mientras ataca a grupos de una coalición estudiantil que celebraban una reunión en el comedor de su escuela. Marroquin explica que “el Escuadrón Rojo (el brazo secreto de la Unidad Subversiva del Departamento de Policía de Chicago) monitoreaba y acosaba a los organizadores estudiantiles, mientras que el director Burke de la Preparatoria Harrison amenazó con deportar a lxs organizadores estudiantiles latinxs”.

    El cartel Por mi raza es un tributo a Lola Navarro (1935–2004), nacida en México, una organizadora comunitaria, activista y madre de ocho que peleó por la justicia habitacional y económica y contra la brutalidad policial en el sur de Chicago, y después en Pilsen y Little Village. El cartel Sin título (2008) de Marroquin, muestra los encabezados de periódicos latinos bilingües (español-inglés) de Chicago de 1927 a 1985 que sirvieron a las comunidades latinas de Chicago o hicieron reportajes sobre ellas, y que ahora están agotados o no se han archivado.

  • Carlos Cortez (b. 1923–2005)

    Carlos​ Cortez, un prolífico grabador de Chicago, continuó la obra política y cultural de sus padres migrantes al crear grabados en madera para el Industrial Workers of the World, un sindicato laboral internacional fundado en Chicago en 1905 al que Cortez perteneció por casi 60 años. El primer grabado, un cartel para una exposición de 1984, parte del Llamado de los Artistas de Chicago contra la Intervención Estadunidense en América Central y el Caribe (Chicago’s Artists Call Against U.S. Intervention in Central America and the Caribbean), muestra a cuatro figuras que protestan contra la llegada de las tropas estadunidenses a sus países natales. El segundo, ​realizado para el Grupo Mural de Chicago (un colectivo fundado en 1971 y responsable de cientos de obras públicas de arte en toda la ciudad) muestra a una mujer pintando un mural en que la proximidad entre el pincel de la muralista y la bayoneta que sostiene una de las figuras en el fondo sugiere la potencia del arte como arma política. 

  • Nicolás de Jesús (b. 1960)

    Nicolás de Jesús proviene de Ameyaltepec, un pequeño pueblo en La Mezcala, una región nahua en el estado mexicano de Guerrero. De Jesús llegó a Chicago a finales de la década de 1980, donde utilizó su entrenamiento en pintura y aguafuerte en papel amate tradicional (un antiguo papel hecho con la corteza de higueras silvestres, ortigas y moreras) para crear representaciones vívidas de la vida urbana de la ciudad. Como miembro fundador del Taller Mexicano de Grabado, que sigue activo hasta nuestros días, De Jesús suele emplear imágenes del Día de Muertos, cuyas calaveras tradicionales también evocan la tradición de las calaveras literarias, una forma literaria satírica que se burla de la soberbia de los políticos y de otras figuras públicas, al recordarles su mortalidad. Con el uso de materiales e imágenes tradicionales para elevarlas al estatus de arte, De Jesús desafía las jerarquías estéticas y las nociones de superioridad cultural.

  • Rodrigo Lara (b. 1981)

    El artista mexicano residido en Chicago Rodrigo Lara crea monumentos. A partir de la iconografía católica que cubría las iglesias, las capillas y los cementerios de su pueblo natal, las esculturas de Lara combinan poses figurativas clásicas con la estética más juguetona de los garabatos autodidactas y las caritas sonrientes. Al superponer estas imágenes, el artista fusiona recuerdos, de la misma manera en que recordamos sueños o momentos del pasado.

    El uso de materiales encontrados en sus composiciones, como el césped artificial, los azulejos, el cuero o los instrumentos de percusión, recuerda los componentes agregados que pueden encontrarse en las tumbas de México, o en los lugares donde ocurrieron tragedias en Estados Unidos: objetos colocados con cariño que crean retratos de los difuntos según los conmemoran sus seres queridos. Estas obras de arte, no obstante, son una reconstrucción o reestructuración de cuerpos generales a partir de estos materiales. A medida que continuamos nuestro crecimiento constante y nos reinventamos, como individuos y como humanidad, estos materiales efímeros, que contrastan con la longevidad de las esculturas de barro del artista, se convierten en memento mori, o “recuerdos de la muerte”, lo que nos lleva a celebrar las complejidades de nuestra vida efímera y sus impactos perdurables.

  • Graciela Iturbide (b. 1942)

    Tras la muerte de su hija, la fotografía se convirtió en una terapia para Graciela Iturbide. De acuerdo con la artista, esta le permitió explorar la manera en que, “en la cultura mexicana, la gente le teme a la muerte, esa es la razón por la que intentan atacarla de frente, así que juegan con ella, intentan restarle importancia”. Al colaborar con sus sujetos, Iturbide proporciona una visión poética, pero sensible, de los rituales indígenas de conmemoración que velan las influencias española, católica y contemporánea. Aquí, una muchacha joven celebra en un cementerio su Primera Comunión, una ceremonia católica que conmemora la muerte sacrificial de Cristo. Oscurecida por una máscara de esqueleto, la baja exposición encubre aún más su identidad.

  • Luis Jiménez (b. 1940–2006)

    ​Actualizando la descripción bíblica de Cristo como el Buen Pastor que "da su via por las ovejas", una metáfora de la manerea en que Cristo sacrificó su vida para asegurar la salvación de los pecadores, El Buen Pastor ​de Luis Jiménez hace reference al asesinato en 1997 del estudiante de preparatoria y past Esequiel Hernández Jr., quien tenía 18 años. Hernández estaba atendiendo a sus ovejas cerca de la frontera entre Estados Unidos y México donde se habían desplegado tropas con el fin de detener el tráfico de drogas. Ya que su rebaño había sufrido recientemente de ataques por parte de la fauna, Hernández disparó su rifle a la distancia hacia lo que pensó que era un perro salvaje. No sabía que en realidad se trataba de un grupo camuflado de tras marinos de Estados Unidos que respondieron a su disparo y lo mataron. La impresión de Jiménez muestra al joven Hernández como una figura santa que, con una oveja en su brazo izquierdo, alza la mano derecho imitando el ahora demasiado común "¡no disparen!" hacia los hombres agachados en el fondo. El círculo similar a un halo que rodea su cabeza se presenta irónicamente como la mira del arma letal.

  • Sam Kirk (b. 1981)

    Sam Kirk es más conocida por sus murales a gran escala a lo largo de todo Chicago que buscan celebrar a las comunidades marginadas. Para Kirk, una paleta vibrante de colores cafés, negros y beiges multitonales representa la identidad multirracial y queer de la artista, a la vez que simboliza las varias capas de la identidad de cualquier persona. Kirk teje historias de comunidades obreras y subrepresentadas con orgullo y optimismo. En fechas más recientes, Kirk dejó de hacer murales para crear vitrales, un material que se asocia en gran medida con las ventanas de santuarios religiosos en todo el mundo. En Kali, el aura coronada y de un azul regio del sujeto provoca una energía divina en sus varios tonos de café, lo que transforma a una mujer contemporánea en un icono.

  • Vincent Valdez (b. 1977)

    En su serie Los mejores de América, Vincent Valdez representa figuras de diferentes orígenes étnicos como boxeadores, preparados y listos para entrar al cuadrilátero. En esta obra en particular, Valdez representa a un boxeador nativo americano vestido con un gorro de guerra tradicional, mientra su nombre Gran Jefe adorna sus shorts de seda. Sin embargo, las flechas que perforan su piel no sólo recuerdan la violencia de la colonización europea durante el “descubrimiento” de América, sino que evocan también imágenes de san Sebastián quien, de acuerdo con la tradición cristiana, fue perseguido por sus creencias y se convirtió en un famoso mártir. Se dice que llenaron a san Sebastián de flechas, pero aún así sobrevivió milagrosamente. Al combinar estas dos historias, Valdez sugiere que los nativos americanos son mártires similares a san Sebastián: un pueblo cuya perdurable presencia cultural no puede eliminarse con la fuerza bruta. Al filtrar el pasado a través del presente, Valdez muestra la manera en que estas historias aún estructuran nuestro mundo.

  • Salvador Jiménez-Flores (b. 1985)

    Mientras ​​hace referencia al movimiento vanguardista del siglo XX conocido como Futurismo, que celebraba la innovación tecnológica y el desarrollo industrial, Salvador Jiménez-Flores inserta rostros de latinos en el cuerpo de un gran “cactus híbrido” de cerámica adornado con incrustaciones de oro y plata. Un águila, cuya cabeza se reemplaza con la de un luchador enmascarado, sugiere la posibilidad de que los migrantes mexicanos asciendan a posiciones de influencia y reciban reconocimiento por sus contribuciones a la sociedad estadounidense. Al utilizar el nopal (una planta resistente a la sequía, capaz de prosperar bajo las condiciones más severas) como símbolo de la resiliencia de las comunidades migrantes, Jiménez-Flores crea un monumento a un futuro más diverso e incluyente.

  • Salvador Dominguez (b. 1985)

    Nacido en México, criado en California y habitante de Chicago, Salvador Dominguez traduce las similitudes, antes que las diferencias, entre cada una de estas culturas. Según dice Dominguez, “la frase ‘mexicoestadunidense’ es una representación directa de mi vocabulario visual. Al desempeñar el papel de intérprete entre estos dos mundos, hago referencia a ambos”. En la intersección de las experiencias de los obreros y los materiales de construcción con los recuerdos de infancia del artista se crea un nuevo lenguaje entre mundos en apariencia contradictorios.

    En Alcantarilla de Chicago H-02, una toalla decorativa hecha a mano se ensucia con la tierra y los desechos de las calles industriales de esta ciudad. Aquí el artista hace un molde de silicona directamente a partir de la cubierta de una alcantarilla de Chicago, capturando así su superficie manchada por la calle. Luego aplica varias capas gruesas de pintura y papel aluminio en el molde para construir esa forma similar a una toalla y pinta las flores “de punto de cruz” en la parte inferior. El proceso de repetición y replicación material que utiliza Dominguez es, en sí mismo, una forma de traducción: la versión material de un juego de teléfono descompuesto, que rompe y construye la traducción entre las múltiples capas del molde de silicón, la pintura y el soporte infraestructural para llegar el objeto terminado.

  • Benito Huerta (b. 1952)

    Un pato, una máscara mexicana, un dominós y un conejo se entrelazan con un uróboro, un antiguo símbolo que representa a una serpiente devorando su cola. Benito Huerta vincula imágenes que en apariencia carecen de relación, pero que son profundamente personales, para crear un nuevo significado de “integridad” o “renacimiento”, así como para generar una nueva estética para el empoderamiento mexicano. De acuerdo con el artista, estas imágenes son “sobre mi herencia híbrida anglolatina así como sobre mi relación con la cultura popular, los amigos, la familia e incluso con los estudiantes a los que les enseño”. También encarnan la supervivencia y el desafío de la convención artística y las consideraciones socioeconómicas negativas de la raza y la clase.

  • Enrique Chagoya (b. 1953)

    ​Guía del concepto de plusvalor relativo para el migrante ilegal de Enrique Chagoya aborda explícitamente la historia violenta del capitalismo y el imperialismo al retratar una contrahistoria del mundo contemporáneo sobre papel amate tradicional (un antiguo papel hecho de la corteza de higueras al estilo de un códice, un libro plegable precolombino de la civilización maya). Imágenes tomadas de una amplia gama de tradiciones visuales globales coexisten con personajes de la cultura popular (un proceso que Chagoya llama “antropología inversa”) a la vez que los perpetradores se presentan como diversas aves y monstruos híbridos con burbujas de diálogo, similares a las de las caricaturas, que citan partes de la obra magna de Karl Marx de 1867, El capital. En esta obra, Marx presenta el concepto de plusvalor para teorizar la manera particular en que el capitalismo explota el trabajo no remunerado de los obreros. Sin embargo, como mostró Marx, el capitalismo sólo es históricamente posible si existe primero un periodo de “acumulación primitiva”: el uso de la violencia, la guerra, la esclavitud y el colonialismo para privar a los pueblos nativos de sus tierras y recursos, algo que Chagoya representa con vívido detalle a lo largo de esta obra.

  • Errol Ortiz (b. 1941)

    Errol Ortiz formó parte del grupo de artistas conocido como Chicago Imagists, quienes, durante las décadas de 1960 y 1970, tomaron sus líneas atrevidas, su estética de diseño y sus imágenes surrealistas y figurativas de fuentes de la cultura popular como cómics, tatuajes, chucherías de tiendas de usado y anuncios. Con frecuencia humorísticas o sarcásticas, una buena parte de las imágenes que se encuentran ​en las pinturas de Ortiz hacen referencia crítica a la Guerra de Vietnam, la política y el consumismo. Ortiz se describe como un “peleón con color”, lo que aquí se ejemplifica en su uso de un rojo atrevido y agresivo. Este retrato (con ese misil por nariz, un edificio industrial por cuerpo, lentes con forma de binoculares y su rostro patriótico con pintura de guerra) puede leerse como una representación del complejo industrial-militar o de la complicada relación entre el gobierno, el ejército y los negocios corporativos que lo sustentan directamente.

  • Derek Webster (b. 1934–2009)

    Nacido en Honduras y criado en Belice, Derek Webster pasó la mayor parte de su vida adulta en Chicago, donde trabajó como cuidador para el sistema de Escuelas Públicas de Chicago. Webster trabajaba frecuentemente con materiales encontrados, recolectando objetos abandonados para sus esculturas, convirtiendo así los desperdicios en obras vibrantes y festivas que desafían profundamente los códigos visuales más refinados de la historia del arte. Señorita Seurat es una referencia bromista a Georges-Pierre Seurat, un pintor francés del siglo xix, conocido por su técnica puntillista y su representación de parisinos de diversas clases sociales en los bancos del Sena en obras como Tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte (1884–1886) que se expone en el Art Institute de Chicago. Webster reimagina a las elegantes figuras femeninas del lienzo de Seurat utilizando una botella de plástico para el cuerpo de su escultura, adornándola con taparroscas, cuentas, llaves, cadenas y otros objetos encontrados que conforman una intrincada capa de ropa y accesorios improvisados.

  • Edra Soto (b. 1971)

    En sus paseos diarios con sus perros por el vecindario de East Garfield Park en Chicago, Edra Soto recolecta las botellas de licor desechadas con las que se encuentra en terrenos baldíos. Estas botellas de coñac despertaron una exploración arqueológica en torno a los residentes del área, sus rituales cotidianos, las historias sobre el origen de los licores y la identidad.

    El coñac, de la misma manera que la champaña, sólo recibe su nombre si se produce en regiones específicas de Francia. Si bien se introdujo por primera vez a los soldados negros que estaban en el extranjero durante las guerras mundiales, este elegante licor cambió su imagen en las décadas de 1980 y 1990 para dirigirse a hombres negros de ciudad y fue testigo de un realce en su popularidad cuando se asoció con el lujo en los videos de rap y las campañas publicitarias. En Abierto 24 horas, Soto imbuye su trabajo con estas tensiones entre clase, estatus socioeconómico, lujo y deseo al colocar botellas desnudas de coñac en paneles que ella diseñó y que son emblemáticos de elementos arquitectónicos coloniales en los porches de su nativo Puerto Rico.

  • Melissa Leandro (b. 1989)

    Melissa Leandro trabaja con textiles y muebles encontrados para explorar la identidad cultural y el espacio doméstico. Combina múltiples técnicas para crear composiciones abstractas en paneles de tela y tapizado, con lo que crea capas de tejido Jacquard, bordado y tintura. En fósiles, la tela acostumbrada de Leandro se ha montado en las barras de un bastidor y cuelga del muro como una pintura tradicional. fósiles desarrolla ideas generadas en el cuaderno de bocetos de Leandro, como dibujos que informan las líneas tejidas y los patrones florales bordados. Leandro considera que su obra crea ambientes abstractos que son paralelos a sus emociones y estados mentales.

  • Marisa Morán Jahn (b. 1977)

    Al proporcionar una plataforma de empoderamiento para las trabajadoras domésticas, la artista Marisa Morán Jahn ha ayudado a apoyar a aquellas mujeres que han desempeñado un papel tan crítico en el bienestar familiar de la artista. La miniserie de Diarios de viaje del Fuerza de Cuidado 1 recuenta un viaje en auto de Nueva York a Miami en que la artista, su colaborador y su hijo se reunieron con trabajadoras domésticas para explorar la manera en que el cuidado se intersecta con importantes problemas contemporáneos. Los proyectos artísticos de Jahn, sus animaciones y medios interactivos han tomado varias formas desde su origen, entre las más recientes se cuenta el CarePod, una instalación de cuidado para ancianos y sus cuidadores, quienes, por la naturaleza hogareña de su trabajo, suelen sufrir aislamiento social.

  • Karen Dana (b. 1982)

    En esta obra en dos partes, Karen Dana examina la división histórica entre el oficio, que suele asociarse con el trabajo femenino, y las artes plásticas. Una cobija tejida a mano hecha por la artista se enrolló con tinta y se usó para crear la imagen que acompaña la impresión de monotipo. La impresión enmarcada y su estética de arte contemporáneo se yuxtapone con la rejilla colgante de fibras, un choque de las conversaciones en torno a las artes plásticas y lo doméstico. Lencería coreográfica forma parte de una serie mayor de obras en las que Dana explora la historia del trabajo y el cuidado de otros a través de las manos de diferentes mujeres. “Sentí una falta de cuidado cuando me mudé a Estados Unidos, como inmigrante —declara—. También fui la primera entre mis amigos que tuvo hijos así que mi obra cuestiona cómo mis experiencias como inmigrante son similares y diferentes a las de mis padres inmigrantes, quienes se mudaron de Siria a México. Ellos estaban solos, educando a sus hijos sin una estructura”.

  • Alfredo Martinez (b. 1984)

    Boxeo con Batman puede leerse como una reconceptualización contemporánea de los ensamblajes de “Combines” del artista estadounidense Robert Rauschenberg de la década de 1950, en los que utilizaba materiales encontrados (como las sábanas del artista) para presentar la idea de que el oficio, el ensamblaje y la pintura tienen una correlación profunda.

    Mientras que Boxeo con Batman toma su título de las sábanas de Batman que se incluyen en su centro, también hace referencia a la batalla física del artista con la obra durante su producción. Las grandes franjas de estambre tejido con ganchillo son una extensión de sus pinceladas, con sus extremos sueltos como gotas de pintura, mientras que las pinceladas de acrílico en la superficie crean una trama de punto cerrado. A la vez meticuloso y espontáneo, el enfoque físico del artista a la aplicación de materiales es similar al trabajo de aplicación “masculina” de pintura que se asocia con expresionistas abstractos como Jackson Pollock y sus action paintings o la aplicación de pintura que el artista japonés Ushio Shinohara hacía en sus lienzos utilizando guantes de boxeo. Sin embargo, Martinez complica esta idea con la naturaleza misma de sus materiales, que suelen tener asociaciones de género con el oficio.

  • Mario Ybarra Jr. (b. 1973)

    Los personajes tristemente célebres del doctor Jekyll y el señor Hyde, de la novela corta escrita por Robert Louis Stevenson a finales del siglo xix, personifican la batalla eterna entre el bien y el mal, y las personalidades duales que pueden presentarse en una misma persona. Sin embargo, para Mario Ybarra jr., la dualidad sociocultural de ser mexicano-estadounidense en Estados Unidos es la fuerza motora detrás de dos autorretratos: Doctor Jekyll, expuesto aquí, y Señor Hyde, que forma parte de la colección del Los Angeles County Museum of Art (lacma). Estas pinturas formaron parte de la exposición Universal Monsters (Monstruos Universales), basada en los personajes de horror y ciencia ficción que, de la década de 1920 a la de 1960, aparecieron en las películas de los Estudios Universal y que incluyeron nuevas versiones tanto de Jekyll como de Hyde y Hulk de Stan Lee. Aquí, Doctor Jekyll, con sus llamativos colores fluorescentes y su sonrisa pícara es a la vez un superhéroe y un villano. Para Ybarra, esto es una exploración psicológica de las historias de transformación y creación de un personaje.

  • Claudio Dicochea (b. 1971)

    Claudio Dicochea imagina de forma juguetona agrupaciones poco probables de celebridades y figuras públicas, y a través de la apropiación y la subversión, desafía el género de la pintura de castas, un estilo racialmente ilustrativo del siglo xviii compuesto por retratos familiares comisionados por la nobleza de la Nueva España que mostraban las jerarquías supuestamente naturales del mestizaje. Las pinturas de casta eran representaciones artísticas que se usaban para reforzar las clasificaciones socio-raciales que eran el objeto de las investigaciones pseudocientíficas y las jerarquías políticas de la época. En De amor prohibido y el Anarquista, El Emcee 2.0, se presenta a un Albert Einstein de piel oscura en una bicicleta lowrider como hijo de un apareja negra ataviada con la vestimenta tradicional de la realeza británica. La pareja, no obstante, está compuesta por Sid Vicious, el roquero anarquista y miembro de la banda Sex Pistols, y Selena, la famosa cantante mexicana-estadounidense cuyo éxito más popular, Amor prohibido, habla sobre una pasión no correspondida entre dos amantes de diferentes sociedades.

 

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Artistas

  • Alberto Aguilar
    Alberto Aguilar
  • Tanya Aguiñiga
    Tanya Aguiñiga
  • Candida Alvarez
    Candida Alvarez
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    Enrique Chagoya
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    Luis Jiménez
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    Caroline Kent
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    Sam Kirk
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    Rodrigo Lara
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    Las Nietas de Nonó
  • Melissa Leandro
    Melissa Leandro
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    José Lerma
  • Nicole Marroquin
    Nicole Marroquin
  • Alfredo Martinez
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    Ramón Miranda-Beltrán
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Eventos

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Podcast

Como parte de nuestra iniciativa Latinx y nuestra exposición LatinXAmerican (7 de enero–15 de Agosto, 2021), DPAM está orgulloso de asociarse con Ivan LOZANO de Archives +Futures (A+F), un podcast para y sobre artistas visuales Latinx e indígenas de las Américas. LOZANO entrevistará a diez artistas participantes de la exposición LatinXAmerican y cada episodio se lanzará cada dos viernes.

Escucha en:


¡Escuchen nuestra playlist "LatinXAmerican" en Spotify! ​Esta playlist fue curada por DJ CQQCHIFRUIT como una pieza complementaria para recorrer nuestras galerías, ya sea de forma virtual o en persona. Jacquelyn Carmen Guerrero alias CQQCHIFRUIT es una artista interdisciplinaria genderqueer y DJ de ascendencia mixta puertorriqueña y cubana, originaria de Hialeah, FL. Después de graduarse con una Licenciatura en Comunicación de la Universidad de Northwestern con concentraciones en teatro y actuación en 2010, Guerrero se sumergió en la vida nocturna LGBTQIA + de Chicago. Siendo DJ, actuando y organizando eventos en espacios nocturnos queer desde 2012, DJ CQQCHIFRUIT es cofundadora de TRQPITECA, un dúo de artistas y una compañía de producción de eventos multimedia que celebra el arte queer y la cultura de la música dance. El potencial de las pistas de baile comunales como lugares que potencian la curación y la liberación radicales es un foco de su práctica social personal y colaborativa.​

Materiales Adicionales

LatinXAmerican fue organizada por personal actual y previos del museo: Ionit Behar, curadora asistente; Elyse Bluestone, pasante de colección y exposición; Mia Lopez, curadora asistente; David Maruzzella, pasante curatorial; Jade Ryerson, Arthur James, becario de museología del DePaul Art Museum; y Julie Rodrigues Widholm, directora, UC Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive.

Andy Warhol Foundation for the Visual Arts logo

La Andy Warhol Foundation for the Visual Arts apoyó generosamente a esta exposición y la programación relacionada.

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